Métodos

Dirección de Actores

En una obra dramática, el autor y los actores son los factores más importantes.
El director es un intermediario, es un mero coordinador.

El método de Stanislavski

Stanislavski revolucionó el teatro, aunque muchos conceptos suyos ya se le habían ocurridos a otros como el de la cuarta pared. Su trabajo incluye consejos para que los actores sean más reales. En sus tres libros mostró su método.. Buscaba realismo y naturalismo (similar al realismo pero que incluye cuestiones más amargas), la credibilidad y la veracidad. La realidad es otra cosa distinta al arte.


Ø El actor debe vivir el personaje, sentir como él lo haría. Ejemplo: mandó a una actriz que tenía que hacer el personaje de una prostituta a convivir con una para aprender. Así posibilitaba la identificación con el personaje.


Ø Parte de la premisa del teatro de la ilusión. El ilusionismo escénico pretende que veamos como verdadera la representación teatral. Par que eso ocurra tiene que haber un acuerdo tácito entre el espectador y los intérpretes. En esos momentos te olvidas que estás delante de una obra. Esto se da en el cine.


Ø Quiere actores-artistas que se sientan en soledad en medio del público. Pretende un dominio de la tensión-relajación. Para él hay que crear empatía para engranar la actuación. Cuando una actriz tenía que llorar en escena y no le salía, se le preguntaba cuándo había llorado por última vez. Si no lo recordaba, se le pedía que recordara alguna vez que lo había hecho. Así la actriz lloraba frente al féretro de su madre en escena mientras recordaba el día en que había muerto su perro.

Actors Studio

Ø El Actors Studio es la adaptación del método de Stanislavski al mercado norteamericano. Incluyeron el psicoanálisis.

Ø Fue fundado por Elia Kazan pero estuvo en las manos de Lee Strasberg.


Ø Se trabaja con el cuerpo y la voz que son las herramientas fundamentales del actor.


Ø El actor debe tener la habilidad de poder persuadir, sentir, emocionarse gracias a estímulos imaginarios. Se necesitan tres años para hacer el método completo, pero se realizan cursos para extranjeros más cortos. Marlon Brando y Paul Newman fueron alumnos de Strasberg.

Bertol Brecht

Ø Bertol Brecht (1898-1956). Nació en Hamburgo, Alemania.


Ø Desde niño hacía teatro. Siempre se quejaba de que no le enseñaban a actuar.


Ø Era un poeta marxista-leninista. Entendía al arte como elemento revolucionario, como arma política.


Ø Brecht declara que no se debe engañar al espectador con emociones, diciéndole que lo que observa en la representación es verdad.


Ø Propone la distanciación de las cosas en el tiempo y en el espacio.


Ø En su forma de hacer teatro, el actor no representa al personaje, lo presenta: “Este es Hamlet”.


Ø Siempre se le aclara al espectador que lo que se le muestra es arte, no es realidad.


Ø Decía que su sistema no le servía a todos los actores: “yo te doy las puertas pero tú tienes que abrirlas. Con él se dio un paso para que la gente no se aburra en el teatro.


Ø La distanciación no significa que tiene que haber frialdad. Puede haber emoción pero diciendo que se está en una representación.


Ø Con él se necesitan actores más preparados intelectualmente y políticamente, con ideas.


Ø Hizo cine con Fritz Lang. Trabajó en radio e hizo una teoría sobre el medio.

Postbrechtismo

Una tercera escuela podría denominarse postbrechtismo que incluye el método de Stanislavski y la narrativa de Bertol Brecht.


Ø Para Stanislavski el drama es acción, hay que mostrar los dramas de la vida. Uno tiene algo que otro le quiere quitar: amor, dinero y poder.


Ø En el teatro de Brecht hay parones, saltos, evolución y flash backs.


Ø Stanislavski y Brecht no se contraponen pero sí hay que considerar que Brecht provocó una reacción al teatro de la época, tal como Stanislavski lo había hecho en la suya.


Ø Lo que se impone ahora son las pausas, los silencios, las posiciones y la economía de medios y de ademanes.


Ø El naturalismo no significa ponerse las manos en los bolsillos.


Ø En cine y en TV los gestos son lo más importante, los ojos. Los actores dan expresividad a sus acciones a través de los párpados inferiores.


Ø Hay que analizar exhaustivamente el texto. Observar qué conflictos hay y cómo situar a los personajes.


Ø En función de eso hay que hacer el trabajo de mesa: lectura matizada de las idas y vueltas, ver qué palabras se enfatizan, el porqué. Es mejor realizar esta lectura sin moverse, entando sentado.


Ø En TV casi no se ensaya. Los ensayos no pueden suplir lo que no saben los actores.


Ø Tienen que saber reír, llorar, moverse en escena y entonar. El director no puede enseñar a vocalizar.


Ø Las pausas y los silencios en teatro dan mucha credibilidad.


Ø Los silencios en teatro no pueden ser absolutos.

Cuerpo

Ø Centro de fuerza: la pelvis.

Ø Centro de personalidad: el esternón.

Ø Centro de expresión: las extremidades.

Ejercicios para relajarse

Ø Hacer papeles con otras entonaciones, en otras lenguas, a otra velocidad.

Casting

Ø Debe ser una prueba estricta.

Ø Se usa cuando el director no tiene muy claro que características precisas quiere.

Ø Lo que siempre es bueno es fijarse si el actor tiene buen oído, si sabe imitar.

Ø Hay que tener en cuenta que no todos los actores aceptan hacer un Casting.


Lo más importante: Los métodos de interpretación.

Lo más práctico: Métodos para hacer más eficiente la actuación de los actores.

Lo que se puede llevar a debate: ¿Hasta qué punto el teatro de Brecht no es un método de
interpretación y sí una forma nueva de narración?.